Не имея публичной галереи или музея, подобно столицам Европы, назначенных исключительно для хранения произведений искусства, Венеция сама является одним огромным музеем, где художественные произведения размещены в многочисленных дворцах, церквах и частных коллекциях. Однако из этого не следует, что в Венеции нет ни одного общественного собрания произведений искусства. Венецианская Академия художеств собрала в девятнадцати своих залах множество превосходных и единственных в своем роде живописных произведений (в основном венецианской школы живописи). Галерея Академии представляет искусство Венеции от византийского до эпохи Ренессанса, а также барокко и рококо. А собирать коллекцию начал в 1750 году Джованни Баттиста Пьяцетта, причем как образцы для обучения художников.
Официально же считается, что своим происхождением Академия художеств обязана Наполеону. В 1807 году был издан декрет о «собрании из разных церквей и монастырей предметов искусства в дом упраздненной в революцию церкви «Santa Maria della Carita», построенной в 1552 году знаменитым Андреа Палладио. Приобретение таких произведений, размещение и наблюдение за их сохранностью было поручено известному любителю и знатоку дела — графу Чиконьяро. Однако сами венецианцы временем открытия своей Академии художеств считают 1778 год.
Выдающуюся роль в формировании коллекции будущей Галереи сыграл инспектор искусств Пьетро Эдварде, обладавший не только поразительной энергией и настойчивостью, но и большим художественным вкусом. В 1777 году он представил в Сенат проект создания реставрационных мастерских, и правительство Венецианской республики решило организовать в городе «Академию живописцев и скульпторов», для которой сначала были отведены мучные склады. Уже через год Академия под руководством Пьетро Эдвардса была открыта, и именно с этого времени в Венеции начала формироваться художественная галерея. Спасенные от расхищения и гибели произведения выдающихся мастеров венецианской живописи, а также картины самих членов Академии образовали коллекцию, которая со временем стала соперничать с лучшими музеями Европы. А в 1807 году, во время оккупации Венеции наполеоновскими войсками, было просто решено перевести существовавшую уже Галерею в более достойное помещение — в здание Братства милосердия и находящуюся при нем церковь. Так Академия художеств была создана вновь, а официальное открытие ее состоялось в 1808 году. В добавление к уже сложившемуся собранию сюда стали перевозить произведения искусства из уничтоженных или упраздненных монастырей и церквей Венеции. Впоследствии это собрание стало обогащаться новыми приобретениями и частными пожертвованиями. Так, графы Контарини, Манфрини и другие подарили новому музею свои коллекции целиком, а в 1856 году австрийский император купил и подарил венецианской Академии художеств Пинакотеку Ренье, которая осталась после смерти известной Марии Гельман — вдовы генерала Бернар-дина Ренье.
Сначала в Галерее было всего пять залов, в настоящее время их открыто более двадцати, но и их не хватает, чтобы экспонировать все интересные полотна. Из вестибюля музея посетитель попадает в большой светлый зал, в котором на щитах и стенах выставлены картины в основном венецианских мастеров XIV-XV веков.
Венецианская живопись XV века (кватроченто) занимает несколько залов, в которых выставлены произведения уже зрелых художников — Джентиле Беллини и Витторио Карпаччо. Оба художника писали большие панно, которые в Венеции практически заменяли фрески. Самая ранняя из картин Беллини относится к 1456 году — она подписана и датирована самим художником. На большом портрете (2,21х1,55 м) изображен Лоренцо Джустиниани — первый патриарх Венеции (портрет посмертный). Первоначально картина находилась в церкви Santa Maria della Orto (Садовницы), но во время реставрации храма в 1850 году все произведения были вынесены из нее в капеллу Св. Агнессы. Но и здесь портрет, написанный на полотне, сильно страдал от сырости, потому и было решено перенести его в Академию. Не только это полотно, но почти каждая известная картина Галереи Академии художеств путешествовала из одного здания в другое и имеет свою историю.
В отдельном зале Галереи выставлены произведения Витторио Карпаччо, посвященные жизни св. Урсулы. Написаны они были для братства Св. Урсулы, основанного в 1300 году. Но только в 1488 году было решено украсить его полотнами, и столь ответственный заказ поручили молодому художнику, к той поре еще не проявившему себя созданием значительных произведений. Возможно, что получением этого заказа Карпаччо был обязан покровительству братьев Беллини, тесно связанных с богатой венецианской семьей Лоредан, состоявшей в братстве Св. Урсулы.
Сюжет для своих картин Карпаччо почерпнул в «Золотой легенде», широко распространенной в западных странах. В ней рассказывается о дочери короля Бретани — Урсуле, славившейся мудростью, красотой и правдивостью. К ней посватался сын английского короля Эрей; желая избежать ненавистного замужества и вместе с тем оградить своего отца от угроз могущественного жениха, Урсула согласилась на брак с ним. Но поставила условия — брак должен состояться лишь но истечении трех лет и жених примет христианскую веру. Сама же она отправилась со свитой в Рим: к ней присоединились такие же, как она сама, девственницы (11 000 человек), посвятившие себя Иисусу Христу. В Риме св. Урсулу принял папа Кириак, а на обратном пути на паломниц под Кельном напали язычники-гунны. Возмущенные обетом дев, они всех их истребили. Последней погибла св. Урсула, отказавшаяся стать женой вождя гуннов.
Вот этот сюжет и лег в основу цикла картин, над которыми Витторио Карпаччо работал в 1490-1495 годы. Художник удивительно тонко почувствовал простодушную прелесть легенды о св. Урсуле — «столь добродетельной, мудрой и прекрасной, что слава о ней распространилась повсюду».
Через 150 лет братство было разрушено, потом его перестроили, картины Карпаччо несколько раз снимали со стен, и в результате всего этого они оказались обрезанными по краям (в длину и в ширину) на 10 см. В 1882 году картины перенесли в небольшой зал Галереи, где они выставлены в том порядке, как были представлены в братстве.
1. «Приезд английских послов к королю Бретани».
2. «Отъезд английских послов из Бретани».
3. «Возвращение послов в Англию».
4. «Встреча Урсулы с женихом» (или «Отъезд обрученных»). Эта картина, самая большая по размерам, разделена на две части: слева — сцена в английском порту, справа — в Бретани, где дворец по своим очертаниям напоминает венецианское палаццо Ка да’Оро.
5. «Встреча св. Урсулы с папой Кириаком».
6. «Сон св. Урсулы».
7. «Прибытие в Кельн».
8. «Мученичество и смерть св. Урсулы».
9. «Апофеоз св. Урсулы».
Карпаччо начал работу над циклом с последних эпизодов легенды о св. Урсуле, однако особое внимание среди картин привлекают так называемые «посольские» (первые три в представленном нами списке). С 1462 года Венецианскую республику стали именовать «Зегешзйта» («Светлейшая»), и государство способствовало тому, чтобы Республика Святого Марка стала «крупнейшим культурным центром Италии, одним из крупнейших очагов итальянского гуманизма. Государство поощряло деятелей культуры, которые, в свою очередь, прославили историю, политику и культуру Венеции».
В картинах Карпаччо чувствуется гордость художника за свою принадлежность к Венеции и ее культуре, за ее влияние на его творчество. Развертывая на своих полотнах историю св. Урсулы, он как будто зарисовывает реальные события, увиденные им на улицах города. Неслучайно все искусствоведы отмечают, что на первых трех полотнах цикла даны еще представления и о дипломатическом этикете Венеции.
Карпаччо не раз наблюдал сцены прибытия послов, дипломатических приемов и т. д. На его картинах каждая из таких сцен происходит на открытом воздухе, при большом скоплении народа, так как подобные события, несомненно, были праздником, на котором могли присутствовать все жители Венеции. Даже отдельные детали картин Карпаччо могут немало рассказать о жизни города и дипломатическом обиходе того времени: например, во «Встрече обрученных и отъезде паломников» в центре помещен высокий флагшток со штандартом, трепещущим на ветру. На штандарте можно увидеть фрагмент герба Венеции. Кроме флагштока со штандартом весь город украшен флагами — башни дворцов, мачты кораблей, городские стены…
Тинторетго в Галерее представлен большим полотном «Чудо св. Марка», являющимся одной из его лучших картин и первым произведением, которое принесло ему широкую известность. Для этой картины, вызвавшей широкий отклик в художественных кругах, Тинторетто использовал легенду об александрийском рабе, которого подвергают пытке за то, что он ослушался своего хозяина и ушел молиться на могилу св. Марка. На картине изображен тот момент, когда пестрая толпа язычников теснится на своего рода «лобном» месте — вокруг залитого желтым светом обнаженного тела. Раб лежит на земле головой к зрителю; связывавшие его веревки лопнули, топоры разлетелись на куски… Над смятением народа, над недоумением и испугом палачей парит крупная фигура Святого Марка в широких одеждах. Впереди святого льется сияние; в одной руке он держит книгу, другая устремлена вперед. Народ еще не видит его, но царь (или начальник) уже в испуге поднимается со своего трона. Один из палачей бросился к нему, держа в вытянутых руках обломки топора. Все в картине полно движения, во всех фигурах присутствуют сила и энергия физической жизни. Полотно полно жизнеутверждающей силы и венецианского великолепия; колорит его построен на чисто венецианском противопоставлении густых сверкающих тонов (красного и синего) на переднем плане и нейтрального фона.
С рубежа XV-XVI веков библейские события для всех художников Венеции становятся лишь условной темой для иллюстрации современной им жизни. Характерным в этом смысле является колоссальное полотно Тициана «Введение Богоматери во храм», занимающее в Галерее целую стену. Картина была написана около 1540 года для братства della Carita, и в одном из залов монастыря она тоже занимала целую стену. Центральное место в этом произведении играет евангельский сюжет, который сразу же приковывает к себе взгляд зрителя, но действие переносится на улицу итальянского города. Монументальная лестница Иерусалимского храма показана сбоку, и Святая Дева — совсем еще девочка — всходит на первые ступени. Приподнимая одной рукой нежно-голубые одежды, Она обращает взор к первосвященнику, который в изумлении выходит Ей навстречу.
У подножия лестницы теснится народ, с любопытством смотрящий и слушающий. В этой толпе — люди всех возрастов и слоев венецианского общества, начиная от важного сенатора и кончая простой женщиной с ребенком на руках. Многие лица взяты из реальной жизни, и венецианцы специально приходили полюбоваться на это полотно, каждый раз находя в нем что-то новое, и с особым любопытством разглядывали изображенных на нем людей. Особенно живописной и выразительной выглядит на картине старая торговка яйцами, сидящая на ступеньках храма.
Большую роль на картине играли волшебные декорации Венеции и благородная свобода ее нравов, поэтому полотно это до сих пор воспринимается как еще и своего рода поэма светлой и просторной архитектуры, неба, красивых и непринужденных движений. В глубине — великолепная перспектива мраморного (или каменного) дворца, в жемчужной тени слева вырисовывается острая пирамида, на горизонте выступает голубоватое кружево гор… Таким образом, библейское событие получает у Тициана светский характер, превращаясь в яркое, праздничное зрелище.
Веронезе представлен в Галерее многими полотнами, но мы остановимся на картине «Битва при Лепанто». В 1571 году Венецианская республика вместе с Испанией и римским папой одержала победу над турецким флотом при Лепанто, и хотя успех этот был временным, последовали пышные празднества и всеобщее народное ликование. Официальная историография даже требовала немедленно зачислить его в число величайших событий венецианской истории, и День св. Юстины (7 октября), в который в 1571 году произошла эта знаменательная для венецианцев битва, был объявлен вторым государственным праздником.
Веронезе получил заказ немедленно написать картину, которая первоначально создавалась для церкви Св. Петра в Мурано. На этом полотне художник стремился увековечить морскую победу над турками объединенных сил венецианцев и испанцев под командованием Хуана Австрийского. В верхней левой части композиции «Аллегория битвы при Лепанто» изображены святые апостолы Петр, Иаков и Марк, члены Священной лиги, а также св. Юстина и женщина в светлой одежде, аллегорически олицетворяющая Венецию. Все они в молитве склоняются перед Мадонной, а облака отделяют их от нижней части картины, на которой изображена сама битва.
В 1919 году некоторые художественные полотна, ранее вывезенные в Австрию, возвратились в Венецию, другие стало приобретать государство. Уникальной коллекцией в Академии художеств являются работы семьи Бассано, собранные в свое время графом Контарини. Шедевром Галереи является и сравнительно небольшое полотно Джорджоне «Гроза» — одна из самых загадочных и таинственных картин художника. Фигуры людей на ней тоже небольшие, а о сюжете этого полотна в искусствоведческой науке существует несколько предположений. Ученые долгие годы искали литературное произведение, которое могло бы вдохновить художника и послужить источником для создания «Грозы». Некоторые предполагали, что Джорджоне вообще не думал о конкретном литературном или мифологическом сюжете, а изобразил силы природы в их вечном обновлении.
До XIX века картина называлась «Семья Джорджоне», изображенный на переднем плане пейзаж считался садом художника, а юношу называли то пастухом, то солдатом. Картина была заказана Габриэлем Вендрамин, и в доме этой семьи находилась до 1569 года. Позднее она была в собрании Манфрин, а в 1875 году полотно, оцененное в 27 000 лир, приобрел князь Джованелли. В 1930 году картина была выставлена в Лондоне, и тогда возникла опасность, что полотно навсегда останется за границей. Через два года государство наконец-то приобрело его для Галереи.
В настоящее время коллекции Академии художеств занимают также примыкающее к церкви Санта-Мария делла Карита здание монастыря латеранских каноников и скуолу Гранде ди Санта-Мария делла Карита.